Loisirs-Culture

La série “BMF” explore l’ascension du baron de la drogue des années 80 “Big Meech”

LOS ANGELES (AP) – Curtis “50 Cent” Jackson s’est souvenu d’avoir entendu des histoires sur la façon dont deux frères sont sortis des rues difficiles du centre-ville de Detroit pour devenir de riches barons de la drogue et finalement adoptés par la culture hip-hop.

Jackson a entendu le surnom de Demetrius “Big Meech” Flenory mentionné d’innombrables fois dans les chansons de rap de Jeezy, TI et Rick Ross. Il est devenu tellement intrigué par Flenory et l’ascension de la fortune de son frère Terry – quoique illégalement – qu’il a voulu développer une série télévisée basée sur leur vie.

Maintenant, Jackson est sur le point de livrer son histoire dans la nouvelle série policière “BMF”, qui sera diffusée dimanche soir sur Starz. La série de huit épisodes plonge dans l’histoire des deux frères dans les années 1980, qui ont fondé la Black Mafia Family, l’une des organisations de trafic de drogue les plus notoires de l’histoire des États-Unis.

“C’est un choix de vie que les gens connaissent au niveau de la rue”, a déclaré Jackson, producteur exécutif de la série. « Les belles choses sortent des épreuves ou du dur style de vie. C’est ce qui m’y a attiré. Cela m’a donné envie de travailler dessus jusqu’à ce que je réussisse.

La série “BMF” relève d’un accord entre Jackson et Starz, où il a produit et joué dans la série originale “Power”, qui est devenue l’une des émissions les plus regardées de l’histoire du réseau câblé. Il a dit que l’intensité de “BMF” est différente de “Power” car la plupart connaîtront probablement la véritable histoire derrière les frères Flenory.

“Lorsque vous regardez la musique du thème jouer dans la séquence d’ouverture, vous voyez des images de Terry et Meech passer devant elles”, a déclaré Jackson. « C’est très rare de voir ça quand ce n’est pas un documentaire. Nous avons essayé de garder l’histoire aussi proche que possible des vraies expériences.

Les frères Flenory ont dirigé un réseau national de drogue avec plus de 500 employeurs qui ont distribué des milliers de livres de cocaïne d’une valeur de plus de 270 millions de dollars dans des villes de 11 États, dont Detroit, Atlanta, Los Angeles, Miami et Birmingham, en Alabama. Leur empire s’est arrêté en 2005 lorsque les autorités ont arrêté les frères ainsi que 100 co-conspirateurs pour trafic de drogue et blanchiment d’argent par le biais du label de rap et de l’entreprise promotionnelle de Flenory, BMF Entertainment.

Demetrius Flenory, 52 ans, purge actuellement une peine de 30 ans dans une prison de l’Oregon. Terry a été libéré en confinement à domicile l’année dernière.

La série “BMF” met en vedette l’acteur pour la première fois Demetrius “Lil Meech” Flenory Jr. dans le rôle de son père et l’acteur Da’Vinchi, né Abraham D. Juste, qui incarne Terry, dont le surnom est “Southwest T”. Russell Hornsby et Michole Briana White joueront les parents du frère, tandis que Snoop Dogg fait des apparitions en tant que conseiller spirituel. Il met également en vedette Arkeisha “Kash Doll” Knight et Eric Kofi-Abrefa.

Flenory Jr. a déclaré que la série ne visait pas à glorifier les escapades de vente de drogue de son père. Il a déclaré que l’émission se concentrerait sur la motivation de son père et de son oncle à gagner de l’argent avec une mentalité “par tous les moyens nécessaires”.

“Je peux raconter l’histoire, la seule histoire qui montre aux gens qui était vraiment mon père, et pas seulement ce qu’ils ont entendu ou les opinions des autres, pas seulement tout le faste et le glamour”, a déclaré Flenory Jr., qui est apparu dans quelques épisodes de la deuxième saison de “Euphoria” de HBO.

«Je peux montrer aux gens comment il a vraiment commencé et quels choix il a fait pour devenir Big Meech. Da’Vinchi vous montre les choix qu’il a faits pour devenir Southwest T. Nous obtenons le spectacle toute l’histoire d’origine. C’est ce que je pense être le plus important.

Malgré le manque relatif d’expérience d’acteur de Flenory Jr., Jackson ne l’envisageait que pour incarner son père. Jackson croyait tellement en le jeune homme qu’il l’a déplacé en Californie, lui a trouvé un endroit où vivre pendant 18 mois, l’a mis dans des cours de théâtre et l’a fait travailler avec des entraîneurs de théâtre.

“Je l’ai attrapé à un bon moment”, a déclaré Jackson de Flenory Jr. “Son innocence n’a pas été volée. Vous verrez la vulnérabilité de sa performance à certains endroits. Et tu regardes et tu dis ‘Il ressemble à son papa.’ Mais il n’a vécu aucune des expériences de son père.

Même si Jackson a soutenu Flenory Jr., le jeune acteur a déclaré qu’il devait encore prouver à tout le monde chez Starz qu’il était le meilleur choix. Il ne voulait pas que les gens pensent qu’il avait obtenu le rôle à cause de son père.

Flenory Jr. a séduit les dirigeants du réseau ainsi que Randy Huggins, le scénariste et producteur exécutif de la série, qui avait initialement fait jouer à Flenory Jr. un autre rôle. Son avis a changé après une lecture de chimie entre Flenory Jr. et Da’Vinchi.

“La première fois que j’ai vu sa cassette, j’ai pensé qu’il était bon, mais le rôle principal?”, A déclaré Huggins, qui était producteur-écrivain sur “Power” et “Criminal Minds”. « Quand j’ai vu les deux de ces frères faire une lecture de chimie, je me suis dit ‘Il y a Meech et Terry.’ Cela a changé mon jeu.

Flenory Jr. a déclaré que son père l’appelait tous les soirs, ce qui lui a permis d’en savoir plus sur lui et de perfectionner son interprétation. Il a dit que ces conversations quotidiennes ont rendu leur lien encore plus fort.

“Ce n’était tout simplement pas un mec ordinaire”, a-t-il déclaré. « Il voulait voir tout le monde avoir la même apparence que lui. Nous voulions que tout soit beau. Même pour les gens qui ne le connaissaient pas vraiment, il leur a créé des opportunités. Je veux que les gens le comprennent en tant que personne et voient qui est vraiment ma famille, pas seulement ce qu’ils entendent.

Critique : Mickey Guyton s’envole sur son puissant record personnel

“Souviens-toi de son nom”, Mickey Guyton (Capitol Records Nashville)

C’est déjà assez difficile d’être une femme noire en Amérique, mais le parcours de Mickey Guyton dans la musique country a été particulièrement semé d’obstacles qu’elle a dû surmonter. Sur son premier album complet sorti une décennie après sa signature initiale sur son label (un fait qui soulève lui-même des questions), Guyton a prouvé que ce qui ne l’a pas tuée ne l’a que rendue plus forte.

Le disque extrêmement personnel de l’auteur-compositeur-interprète texan affronte des réalités que la musique country traditionnelle refuse souvent de reconnaître, qu’il s’agisse de dénoncer le racisme systémique sur « Black Like Me » nominé aux Grammy ou le sexisme enraciné sur « What Are You Gonna Tell Her ». La voix flamboyante de Guyton exprime la douleur, la puissance et la persévérance sur la chanson principale “Remember Her Name”, un hymne sur l’émergence du feu.

Elle fait également étalage et se pavane sur le doo-wop bop prêt pour les podiums « Different » et ses passages vocaux sur « Lay It On Me » sont une expérience spirituelle. Sur une reprise du tube de Beyonce « If I Were a Boy », la voix puissante de Guyton frappe toutes les notes hautes émotionnelles de la tendre ballade.

Guyton est honnête à propos de toucher le fond tout en essayant de mettre les autres à l’aise, une expérience relatable pour tout le monde. “Si je vous dis la vérité, votre cœur sera-t-il assez grand pour le contenir”, demande-t-elle dans “Do You Really Wanna Know”.

Ce qui distingue Guyton dans la musique country, c’est son écriture de chansons empathique et un optimisme sous-jacent envers l’humanité qui ne repose pas seulement sur une nostalgie blanchie à la chaux.

Buffy Sainte-Marie réfléchira à la musique et à l’activisme dans un prochain documentaire

TORONTO – Buffy Sainte-Marie partage un nouvel aperçu de son ascension pionnière dans un documentaire à venir.

White Pine Pictures, Eagle Vision et Paquin Entertainment ont annoncé que la production de “Buffy Saint-Marie: Carry It On” a commencé, un large aperçu de l’influence de l’auteur-compositeur-interprète et activiste crie.

Le film est présenté comme un regard « cinématographique, poétique et musical » sur les six décennies de carrière de rupture créative et sociale de Sainte-Marie, de l’écriture d’hymnes de protestation dans les années 1960 à la controverse suscitée par l’allaitement sur « Sesame Street ».

Le musicien de 80 ans a été célébré avec de nombreux honneurs, dont plusieurs prix Juno, un prix de musique Polaris, un prix du Gouverneur général pour les arts du spectacle et le tiercé cinématographique d’un Oscar, d’un BAFTA et d’un Golden Globe Award pour avoir co-écrit la chanson. “Up Where We Belong” dans “Un officier et un gentleman” de 1982.

Réalisé par la cinéaste de Winnipeg Madison Thomas, « Buffy Saint-Marie : Carry It On » comprendra des documents d’archives, des performances récentes et des entrevues avec la musicienne et ses contemporains.

Le documentaire devrait sortir en salles à l’automne 2022 et sera diffusé par Bell Média et APTN au Canada et PBS aux États-Unis à des dates ultérieures.

Ce rapport de La Presse Canadienne a été publié pour la première fois le 24 septembre 2021.

L’interview de Harris ‘View’ retardée, les hôtes positifs pour COVID

NEW YORK (AP) – Une interview télévisée en direct avec la vice-présidente Kamala Harris a été retardée vendredi après que deux animateurs de « The View » ont appris qu’ils avaient été testés positifs pour COVID-19 quelques instants avant de l’interviewer.

Le co-animateur Sunny Hostin et l’hôte invité Ana Navarro ont tous deux appris qu’ils avaient été testés positifs pour des cas révolutionnaires avant l’interview. Navarro et Hostin étaient tous deux à la table pour le début du spectacle, mais ont ensuite été retirés du plateau.

Harris, qui avait prévu de se joindre à la table, devait désormais être interviewé à distance depuis une autre pièce du studio ABC à New York. Les co-animatrices Joy Behar et Sara Haines sont restées sur le plateau.

“Ana et Sunny, à la dernière minute, nous avons réalisé qu’ils avaient été testés positifs pour COVID, ils ont donc été retirés de l’émission”, a déclaré Behar, qui a déclaré que Harris avait été transféré dans un endroit séparé car “ils ne veulent pas prendre un chance.”

“Il est très important que nous la gardions en bonne santé et en sécurité”, a déclaré Behar. “Les services secrets font des choses pour qu’elle se sente en sécurité.”

Behar et Haines ont répondu aux questions du public après l’annonce du report. Hostin et Navarro avaient été vaccinés, ont indiqué leurs collègues.

Elle même . . . Chris Pratt ? Le casting vocal du film Super Mario Bros. a Internet se gratte la tête

C’est moi… Chris Pratt ?

C’est vrai, l’une des stars de cinéma anglo-américaines les plus célèbres au monde d’origine norvégienne a été choisie comme le plombier italien fictif le plus célèbre au monde, à la grande consternation et au plus grand plaisir ironique d’Internet.

Nintendo a annoncé jeudi lors de son événement Nintendo Direct que Pratt exprimerait le personnage bien-aimé dans un nouveau long métrage d’animation basé sur la franchise de jeux vidéo Mario Bros.

L’actrice de “The Queen’s Gambit”, Anya Taylor-Joy, incarnera la princesse Peach, l’amante perpétuellement en péril de Mario, Charlie Day, son frère dégingandé Luigi, Jack Black, le méchant Bowser, Keegan-Michael Key, le petit acolyte Toad et Seth. Rogen dans le rôle de Donkey Kong, un simien qui aime les bananes.

Internet n’a pas perdu de temps à riffer sur le casting de Pratt dans le rôle de Mario.

“chris pratt joue mario”, a tweeté l’acteur Vincent Martella aux côtés d’un mème “Sopranos” de Silvio Dante, interprété par Steven Van Zandt, en disant: “C’est une discrimination anti-italienne”.

“Danny DeVito aurait dû être Mario et non Chris Pratt, nous avons été volés”, a tweeté @LucinaDraws avec une photo de DeVito, qui est d’origine italienne, en tant que Mario.

“Nous avons intimidé le film sonore pour refaire le vfx, nous pouvons intimider le film de mario pour refaire le casting”, a tweeté @pianta_. L’année dernière, “Sonic the Hedgehog” a subi une refonte approfondie des personnages lorsque Internet a mal réagi aux premières images du film de Sonic.

“Anne marie a capturé en temps réel les dégâts psychiques dévastateurs que j’ai subis lorsqu’ils ont révélé le casting du film de mario”, a tweeté l’acteur vocal SungWon Cho à côté d’une photo de lui semblant en détresse.

“Premier regard sur Mario et Yoshi dans Super Mario Bros. (2022)”, a craqué @MrChebi, tweetant une photo de Pratt avec un dinosaure de sa franchise de films “Jurassic World”, une référence à Mario et à son ami dino Yoshi.

“Je crains de devoir insister pour que Chris Pratt fasse un accent italien extrêmement offensant pour Mario”, a plaisanté @AbeGoldfarb. “Je veux que de nouvelles ligues anti-diffamation soient formées à la suite de cette performance.”

Ce n’est pas la première incursion de Mario dans le cinéma : il a déjà été dépeint dans le tristement terrible film d’action en direct de 1993 « Super Mario Bros. », mettant en vedette l’acteur britannique Bob Hoskins dans le rôle de Mario et l’acteur colombien américain John Leguizamo dans le rôle de Luigi. Le bar est donc, comme on dit, par terre ; il ne faudra pas beaucoup de Super Mario Jump pour que Pratt l’efface.

Le nouveau film de Mario Bros. sera animé par Illumination et publié par Universal Pictures le 21 décembre 2022.

“Je me sens le plus libéré que j’aie jamais ressenti”: Alessia Cara qualifie le nouvel album “In the Meantime” de “meilleur travail” de sa carrière

Poisson dans un bol, isolement, introspection. Ces mots énigmatiques tweetés par Alessia Cara en septembre ont intrigué les fans à propos de son nouvel album, “In the Meantime”.

C’était la manière de l’auteur-compositeur-interprète d’expliquer le concept derrière la pochette saisissante de l’album. Dans un clin d’œil apparent à “Le Magicien d’Oz”, Cara est photographiée comme une Glinda des temps modernes, la bonne sorcière du Nord. Posant dans une bulle transparente, mais semblant étrangement en paix, Cara est capturée vêtue d’une robe jaune rappelant une robe de bal des années 70 : longue, superposée, à volants.

Quiconque a écouté attentivement la récente liste des 18 chansons de Cara sait que son choix vestimentaire est plus qu’approprié. À bien des égards, l’album représente une cérémonie de remise des diplômes pour le talent italo-canadien de 25 ans. Au cours d’une conversation Zoom depuis son domicile à Toronto, née à Mississauga, Cara, élevée à Brampton, est catégorique sur le fait qu’elle a enregistré «le meilleur travail» de sa carrière.

Quant à ce champ de force transparent enveloppant Cara sur la pochette de son album ? C’est peut-être une protection supplémentaire contre les forces négatives extérieures ou le singe volant occasionnel de l’industrie musicale. Quelle que soit l’interprétation, Cara admet qu’une transformation complète est en train de se produire en elle au moment où nous parlons.

« Tout ce que je fais est intentionnel. J’ai l’impression d’avoir vécu une toute autre vie depuis mon dernier album », dit-elle, faisant référence à son disque de 2018 « The Pains of Growing ». « Ces nouvelles chansons représentent la liberté pour moi. C’est un objectif que je ne pense pas avoir avant… J’ai une nouvelle perspective ; J’ai perdu une vieille peau et j’ai de la chance d’avoir pu documenter la douleur que j’ai traversée dans ces chansons.

Le son global du disque est difficile à cerner. Les morceaux passent du R&B et de la soul à la pop qui s’inspire principalement des années 70, 80, 90 et du début des années 2000. Cependant, l’album comporte deux moments transcendants qui se démarquent du lot. Le premier est un morceau subtil mais émouvant intitulé « Bluebird », dans lequel Cara échantillonne «J’aimerais que vous aimiez», interprétée par Miumiu Guitargirl, la star chinoise des réseaux sociaux âgée de huit ans. La voix de Cara sur la chanson est sublime, faisant écho à un délicat coup de chapeau à la chanteuse de samba et de bossa nova brésilienne Astrud Gilberto, Norah Jones et Lani Hall (de la renommée de Sérgio Mendes et Brasil ’66).

« Je suis tellement inspirée par la musique bossa nova, et ce son m’a donné envie d’aller immédiatement dans cet endroit ambitieux et de prendre des risques », dit-elle à propos de l’expérience. Volant à travers les couplets avec la facilité d’un pro du jazz, le phrasé de Cara dans des paroles telles que “Je t’aimais, mais je ne pouvais pas te garder / J’étais brisé / Jusqu’à ce que j’apprenne que je n’avais pas besoin de toi” semble dynamique et sans effort.

“Même si ma vision de la romance n’était pas positive pendant que j’écrivais la chanson, j’ai fini par écrire sur une histoire d’amour géniale et non partagée”, dit Cara.

En revanche, les notes les plus puissantes et les plus émouvantes de “In the Meantime” appartiennent aux “Best Days”. Cara commence la chanson avec des paroles émettant le genre d’incertitude brute et vulnérable qu’elle n’a pas encore traversée dans les enregistrements précédents, en chantant: “Tellement plus difficile pour être honnête / Avec vous-même à 20 ans / J’aimerais savoir ce que je deviens.” Sa voix sur la piste sonne si intime que vous avez l’impression de lire une entrée de journal.

“Cette chanson était mon plus bas : émotionnellement et mentalement”, dit-elle à propos de “Best Days”, qui se termine par Cara articulant deux questions brûlantes : “Et si les meilleurs jours étaient les jours que j’ai laissés derrière ?” et « Et si le reste restait le même toute ma vie ? »

La chanson a été l’une des plus difficiles à terminer dans son intégralité en raison de sa nature personnelle. “C’est très difficile de se parler honnêtement parce que vous vous accrochez toujours à l’espoir de votre enfance”, dit-elle, expliquant que la chanson montre comment elle se sentait “frappée par beaucoup de vérités laides de l’âge adulte et de la responsabilité », et d’avoir « plus de fissures dans l’armure ».

Jusqu’à présent, l’hypothèse générale était que Cara avait eu plus de facilité que la plupart des pop stars. Pourtant, “In the Meantime” raconte clairement une autre histoire. À 21 ans, elle est entrée dans l’histoire en devenant la seule artiste canadienne à remporter un Grammy dans la catégorie Meilleur nouvel artiste. Mais les fans de la compétition de Cara – des leaders tels que SZA, Khalid et Julia Michaels – étaient tellement furieux que certains ont menacé sa vie via les réseaux sociaux.

Publiquement, Cara a gardé son sang-froid et a répondu sur Instagram, ne publiant que des faits (« J’ai été nominé et gagné, et je ne vais pas être contrarié par quelque chose que je voulais depuis que je suis enfant, sans parler d’avoir vraiment travaillé Difficile pour”).

Il n’est pas surprenant que beaucoup la considéraient comme la quintessence du trope de fille-boss, reliant cette Jeanne d’Arc-ian, aucune force BS à des succès positifs pour le corps tels que “Scars to Your Beautiful” (dans lequel elle ceinture des lignes telles que “Pas mieux que toi que le tu que vous êtes”) et des bops comme “Here” (qui loue les avantages d’être une giroflée lors d’une fête remplie d’enfants cool). Quelle que soit la façon dont elle a été perçue, les titres de reine de la pop, de guerrière, de princesse ou de princesse guerrière n’ont jamais semblé lui convenir.

Pourtant, les pressions de la duplication du succès critique et commercial de son premier album en 2015, « Know-It-All » et de son suivi « The Pains of Growing » ont évoqué ce que Cara appelle « des problèmes d’anxiété et tant d’épisodes de dépression et de doute, qui ont ensuite conduit à l’insomnie et à trop de nuits blanches pour les compter. La thérapie et les médicaments l’ont aidée à surmonter certains des obstacles, mais la musique s’est avérée être une forme d’autosoins avec le plus de continuité.

Pourtant, Cara continue de lutter contre les problèmes d’inégalité entre les sexes. « Les femmes artistes et les artistes féminines sont considérées comme beaucoup plus jetables que les artistes masculins », dit-elle. «Malheureusement, vieillir en tant que femme est beaucoup plus difficile et méprisé. Les femmes doivent encore être 10 fois plus extraordinaires que les hommes en tant qu’artistes pour faire ou consolider notre place dans l’industrie. La médiocrité pour les hommes est beaucoup plus acceptée parce que les femmes sont censées faire tellement avec si peu.

De nouvelles chansons telles que « Voice in My Head » sont des hymnes à l’estime de soi que Cara a écrits dans le but de résoudre les problèmes inutiles de doute de soi. « C’est une chose tellement cyclique. Ce n’est pas comme si vous vous réveilliez un jour et que vous vous disiez : ‘J’ai complètement guéri’ », dit-elle.

« C’est beaucoup de désapprentissage et de réapprentissage et des tonnes de lacunes en cours de route. Le repos, pour moi, a été la chose la plus difficile à laquelle j’ai dû faire face, pas seulement au cours des sept dernières années depuis que ma carrière a décollé. Cela m’a aussi aidé à faire attention à la façon dont je me parlais et aux choses que j’ingérais, que ce soit physiquement ou émotionnellement : les choses que je regarde sur Netflix, les choses que j’écoute et les gens que je m’entoure. avec.”

Cara se considère chanceuse que sa mère ait un amour profond pour l’icône de la musique pop italienne Mina, une artiste qui à ce jour a sorti plus de 100 albums et vendu plus de 100 millions de disques dans le monde. Comme pour tant de familles italo-canadiennes de la génération de sa mère, la musique de Mina était régulièrement en rotation et un rappel solide de l’art provenant de la patrie.

“Ma mère est comme une historienne de la musique quand il s’agit de Mina”, dit Cara. “Elle a été jouée constamment et j’ai grandi non seulement en écoutant Mina, mais aussi en aimant son histoire et sa musique. J’ai aussi appris tous les problèmes qu’elle a eus dans l’industrie de la musique et comment elle n’a pas enregistré pendant longtemps. C’est fascinant.”

Sa révérence précoce pour certaines des plus grandes chanteuses pop italiennes – des femmes telles que Mina, Patty Pravo, Laura Pausini, ainsi que la reine disco italienne récemment décédée, Raffaella Carrà – a beaucoup de sens sur le nouvel album de Cara. Comme ces artistes, Cara est devenue une chasseuse-cueilleuse de styles musicaux dissemblables, ayant enfin la coraggio (courage) d’appliquer ses tuyaux à des genres et des gammes inconfortables auxquels elle n’a jamais été confrontée auparavant.

« Je puise dans cette liberté et je me sens la plus libérée que j’aie jamais ressentie », dit-elle. «Mais je ne suis pas encore à l’endroit où j’ai l’impression d’être capable de faire 100 % de ce que je veux. Je suis encore en train de faire mes preuves artistiquement. Il y a tellement de sauts et de limites à faire. »

Sortez la fine cuisine! Le chef Daniel Boulud est de retour avec une alimentation post-pandémique – pour l’âme aussi ! — à l’hôtel Four Seasons de Toronto

C’était du déjà vu — déjà manger ? — au Café Boulud à l’intérieur du Four Seasons la semaine dernière.

Avec le célèbre chef Daniel Boulud de retour dans le restaurant torontois qui porte son nom — sa première fois à la frontière en près d’un an et demi! – les convives avides de castors ont fait la scène lors d’un dîner spécial qui s’est vendu en quelques minutes lors de la première annonce. Dans ses blancs croquants, versés dans son moi souriant pudique, il était un boulet de canon schmooze comme d’habitude – c’était aussi quelque chose d’un moment de cercle complet pour l’homme.

La légende culinaire était après tout ici à Toronto, a-t-il rappelé, en ce sinistre vendredi 13 mars 2020, lorsque le fond est tombé dans la pandémie en évolution rapide – le jour où une « urgence nationale » a été appelée aux États-Unis, et Boulud a rapidement sauté sur un vol de retour à New York et s’est mis à la tâche de fermer tous ses restaurants. Pas seulement cela, mais se lancer dans la tâche de réinventer un empire culinaire qui s’étend de Singapour à Dubaï, aux Bahamas et vice-versa.

“Cette euh pas Zoom », a-t-il plaisanté avec son accent encore vif, un vestige de son enfance dans une ferme familiale à Saint-Pierre-de-Chandieu, près de Lyon.

Il faisait bien sûr référence aux nombreuses réunions virtuelles et même aux apparitions de chefs qu’il a faites au cours de la dernière année et demie. Un contraste avec nous maintenant, de retour en selle de la gastronomie – en personne. De plus, tout en organisant un déjeuner ce même jour pour certains médias – un qui a commencé avec du panais Vichyssoise et a atteint le régulateur de vitesse avec un « Rôtisserie Canard du Lac Brome », c/o Québec, le tout jumelé avec du champagne Ruinart – il m’a informé de certaines des ce qui se passe sur la planète Boulud.

Mais tout d’abord : “Comment restes-tu si jeune ???” Une question qui a résonné lorsque j’ai remarqué que l’homme de 66 ans ne semblait pas vraiment vieillir et qu’il semblait presque figé dans le temps depuis que je l’ai interviewé pour la première fois il y a 20 ans à New York (à l’époque où il déchaînait une tendance burger gourmand en 2001, avec son fameux foie gras et son petit pain à la truffe au prix alors choquant de 27 $ !).

“Travail…” dit Boulud, cherchant une réponse à tâtons.

Aussi : « jeunes enfants ». Il en a deux de moins de 10 ans avec sa seconde épouse, Katherine.

Mais je soupçonne que sa première réponse est la chose principale. Le zip qu’il a est emblématique de ce que je vois souvent chez certains des éternellement jeunes : il adore ce qu’il fait. Et il n’est jamais blasé.

L’homme qui a été nommé Chevalier de la Légion d’Honneur par le gouvernement français et est aussi une sorte de figure de la culture pop – il s’est joué dans l’émission “Billions” et a été abandonné sur “Gossip Girl” (naturellement) – était à Toronto, en partie, pour marquer correctement l’annonce de Colin Henderson comme son chef de cuisine ici (promu de sous-chef, un poste qu’il occupe depuis 2018). Mais il faisait demi-tour le lendemain pour retourner à Manhattan pour un autre développement clé : la réouverture de son restaurant phare Daniel dans l’Upper East Side. Il est de retour avec une salle à manger repensée (un peu de pincement, beaucoup de replis); il a travaillé avec un designer de Broadway pour créer un espace visionnaire, transformant le besoin d’éloigner les tables à un avantage en rendant chacune plus intime.

Mais ce n’est guère tout. Son grand retour pandémique est survenu il y a quelques mois avec un nouveau spot appelé Le Pavillon, tout en haut de la nouvelle tour One Vanderbilt en feu dans le centre-ville. Couvrant 11 000 pieds carrés et 70 étages, Forbes l’a appelé “l’incontournable le plus chic de la ville”. Le nom lui-même est un clin d’œil à une époque révolue à New York, a expliqué Boulud : « Le Pavillon était un célèbre restaurant créé lors de l’Exposition universelle de New York en 1939… très New-York aussi. Cela a duré 25 ans. Les Kennedy, les Rockefeller, les Mellon… Truman Capote. Tout le monde est allé au Pavillon.

Jacques Pépin, le chef emblématique de la télévision, y a également travaillé, a-t-il ajouté, et de ce restaurant est né tout un écosystème de restaurants français dans cette ville (des endroits comme La Grenouille). “Quand je suis arrivé à New York, j’étais nourri par les histoires de cet endroit… alors en essayant de trouver un nom pour ce restaurant, je l’ai relancé en quelque sorte”, a expliqué Boulud.

Bien sûr, c’est un nouveau millénaire et des temps différents, donc c’est un ton différent. Moins étouffant. De plus, avec des plafonds imposants, 50 % du restaurant est rendu comme « un jardin vivant ». Côté menu, il est surtout fier d’un plat d’huîtres qu’il a inventé pour l’endroit. “Rockefeller avait une huître qui porte son nom (les encore célèbres Oysters Rockefeller), alors j’ai créé l’Oyster Vanderbilt d’après le baron des chemins de fer (qui a construit la gare Grand Central qui se trouve en face de la nouvelle tour). Vanderbilt n’en a jamais eu, alors j’ai pensé que je lui en donnerais un… c’est avec une chaudrée crémeuse en dessous. Nous verrons s’il devient aussi célèbre que l’Oyster Rockefeller.

Peut-être qu’il peut faire venir Anderson Cooper, ai-je suggéré ? Considérant qu’il est issu de cette lignée de Vanderbilts ! « Bonne réflexion », a déclaré Boulud.

Aussi difficile que l’année dernière et un peu l’aient été, une chose reste intacte : son don pour aller de l’avant. « Cela a été difficile, mais nous aimons les défis », a-t-il finalement déclaré. “C’est bon d’être de retour.”

Shinan Govani est un chroniqueur indépendant basé à Toronto qui couvre la culture et la société. Suivez-le sur Twitter : @shinangovani

Avec « Le mystère du bien et du mal », Wayne Johnston exploite des secrets de famille inquiétants pour créer une « célébration de la vérité »

Wayne Johnston a un secret. Reformulons cela. Wayne Johnston avais un secret.

Un si puissant qu’il a affecté la façon dont il voyait le monde, la façon dont il écrivait à son sujet. Mais ce n’est pas toute l’histoire. Il y avait deux secrets, en vérité. L’autre était sa femme, celle de Rose. Ce secret était si puissant qu’il a changé la trajectoire de leurs deux vies.

C’est une histoire, à la fois la version fictive et la version factuelle, sur l’ouverture. À propos de la résilience. À propos de trouver un moyen de créer de la beauté à partir de quelque chose d’horrible. Le secret de Rose était d’avoir un père qui a agressé sexuellement en série ses quatre filles dès son plus jeune âge. Et Johnston ? C’était un écrivain atteint de troubles presque inimaginables pour quelqu’un dans sa profession : hyperlexie et hypographie, troubles obsessionnels compulsifs où l’on ne peut s’arrêter de lire ou d’écrire.

Ces deux secrets se rejoignent – ils ont été gardés pendant des décennies – dans le nouveau roman de Johnston, “Le mystère du bien et du mal”. C’est un livre, dit-il, qui pourrait amener les lecteurs à considérer chaque livre qu’il a écrit auparavant sous un nouveau jour.

“Je pense que les lecteurs de mes autres livres y verront désormais les raisons de la récurrence de certains thèmes”, écrit-il dans une note d’auteur à la fin du livre, ces thèmes étant “le secret qui sous-tend et souvent sape l’histoire familiale ; la nature mercurielle, non fixée et non fixable de l’histoire… que l’histoire est quelque chose de tout à fait différent du passé.

Et donc je lui demande, alors que nous discutons au téléphone – lui chez lui à Toronto, moi chez moi – comment nous, en tant que lecteurs, sommes censés séparer les faits de l’histoire des parties fictives.

Johnston, bien sûr, est connu pour ses grands livres historiques ; « The Colony of Unrequited Dreams », l’un de ses titres les plus connus, se déroule à Terre-Neuve dans les années 1940. Comme ce livre, il s’inspire de l’histoire factuelle, en l’occurrence d’événements réels et de la vie du premier premier ministre de la province, Joey Smallwood. Il y a une confusion entre les faits et la fiction.

« Dans ce livre, parce que l’histoire sur laquelle je dessine est une histoire privée plutôt que publique, c’est un peu plus difficile, pour un lecteur qui a froid à ce livre, de dire ce qui s’est réellement passé et ce qui ne s’est pas passé. il a dit. “Ma recommandation serait de ne pas s’en soucier.”

Mais c’est difficile de ne pas le faire. Et donc, lorsqu’un lecteur prend ce nouveau livre, il peut ou non vouloir aller à la note de l’auteur. À 13 pages, c’est, a admis Johnston, “un peu sur le côté long”. C’est là qu’il expose plus en détail la vérité des deux secrets derrière le livre.

Les faits de l’histoire sont les suivants : un professeur de comptabilité nommé Jan Langhout d’Afrique du Sud déracine sa famille – sa femme et ses quatre filles – et les déplace à Terre-Neuve lorsqu’on lui offre un poste d’enseignant là-bas. Il a abusé sexuellement de chacune de ses filles pendant des années. Lui aussi a l’habitude de rassembler ses filles sur le lit et de leur raconter des histoires sur son passé : les exploits de la Seconde Guerre mondiale, les nazis, voire la famille d’Anne Frank. Il raconte ces histoires à ses filles, manipulant et créant l’histoire de la famille.

Rose, m’a dit Johnston, « n’a jamais parlé explicitement des choses qui ont été faites, elle confirme simplement que les choses ont été faites. »

Rachel, le personnage principal du livre, est basé sur Rose ; Wade, qui tombe amoureux de Rachel, est basé sur Johnston; Hans, le professeur et pédophile, est basé sur le père de Rose.

Le récit se déplace entre les points de vue de ces trois personnages principaux et est ponctué d’extraits de longs poèmes que Rachel et Hans ont écrits, tout à fait séparément l’un de l’autre. Rachel’s s’intitule “The Arelliad”, créée lorsque Rachel s’écrit dans un état de psychose, aux prises avec ce qui lui arrive. “L’esprit essaie d’entourer l’événement de la même manière que le corps entoure une blessure”, a déclaré Johnston.

Le poème de Hans est quelque chose d’entièrement différent : intitulé “La ballade du clan van Hout”, c’est une longue justification fulgurante de ses actions, de son implication avec les nazis, des choses horribles qu’il a perpétrées et, dit-il, ont été perpétrées sur lui dans les camps de la mort – essayant d’écrire l’histoire à sa propre fin, avec lui-même en héros. C’est parfois graphique, horrible et dérangeant, les lecteurs doivent être prévenus. L’homme est raciste, violeur et assassine une jeune femme. Johnston a déclaré “qu’il écrit sa” ballade “comme une sorte d’histoire alternative, une mythologie personnelle alternative et une auto-justification pour toutes les choses qu’il a faites dans sa vie.”

C’est aussi un « véhicule d’endoctrinement », un peu comme les histoires que Jan raconterait dans la vraie vie à ses propres filles. Dans sa note d’auteur, Johnston note que Jan est soupçonné de certains des crimes que Hans commet dans le livre.

Rose et ses sœurs ne parlèrent pas beaucoup de ce qui leur était arrivé – Wayne ne l’apprit pas jusqu’à ce que son beau-frère vienne chez lui et partage ce que la sœur de Rose lui avait dit ; c’était un moment, a-t-il dit, qui a marqué un “avant” et un “après” dans sa vie. Malgré leurs efforts pour confronter les parents, la famille a gardé le silence ; les sœurs ont suivi leur propre chemin. On gardait des secrets qu’il fallait peut-être dire, mais les sœurs devaient survivre.

Rose et Wayne ont déménagé, s’installant finalement à Toronto, se rendant d’abord à Ottawa. C’est là que Johnston a été forcé de régler ses propres problèmes de santé mentale.

L’hyperlexie peut, selon Johnston, “être simplement l’habitude de lire trop souvent”. Le problème survient lorsqu’il commence à affecter votre vie et comment vous la vivez, lorsqu’il interfère avec votre vie. La première fois que cela est arrivé à Johnston, a-t-il déclaré, “c’était assez terrifiant”. Il l’a décrit ainsi :

« Ce qui peut souvent arriver, c’est que vous lisez, disons, un paragraphe. Et puis vous vous dites : « Est-ce que j’ai tout tiré de ce paragraphe que j’aurais pu avoir ? Et puis vous revenez en arrière et vous le relisez. Et vous essayez d’avancer, mais ensuite vous revenez en arrière et vous dites : « Je ne pense pas avoir lu cette page correctement. Finalement, vous êtes coincé dans un livre et votre élan vers l’avant est soit complètement bloqué, soit incroyablement ralenti. Vous devenez très anxieux quant à la raison pour laquelle cela se produisait.

À l’époque, il ne comprenait pas que c’était une maladie. Puis l’hypographie, le besoin d’écrire tout le temps, a commencé. Et, dit-il, toutes sortes d’autres obsessions et compulsions. En 1983, il est victime d’une panne. Il écrit dans sa note d’auteur que « Mon désespoir, mon sentiment absolu de désespoir, mon désespoir absolu ont conduit à une fin qui s’est avérée être un début.

Il a commencé à voir un thérapeute, a été mis sous médicaments et maintenant, dit-il, “je touche autant de bois qu’il y en a à toucher, je n’ai pas eu depuis un moment aussi mauvais que lorsque j’étais un jeune homme”.

Les parents de Rose sont décédés il y a quelques années. Après une mort comme celle-là, il peut parfois y avoir des comptes à rendre. Parfois, il peut y avoir des tentatives de réconciliation – les sœurs reprennent contact.

Et, parfois, une chose de beauté peut être créée à partir de la pourriture. Ce livre est l’effort de Johnston pour le faire, pour créer « un beau livre, un hommage », a-t-il déclaré.

« Mon objectif principal en écrivant un livre est le livre lui-même », a déclaré Johnston. « Mon intention n’est pas d’éduquer les gens… c’est juste d’écrire une œuvre qui, aussi pénible que puisse être le voyage, devient finalement quelque chose de beau simplement à cause de l’art qui est impliqué dans la fabrication du livre et dans la célébration de la vérité. »

“Ring” d’Andre Alexis enveloppe son célèbre quinconce de cinq livres avec une touche de romance et un puzzle satisfaisant

Dans sa forme la plus simple, un quinconce est une simple question de géométrie, un motif dans lequel cinq éléments ou points sont disposés, quatre formant les coins d’un carré imaginaire (ou rectangle) et le cinquième au milieu de ce carré. Pensez au cinq sur un dé : c’est un quinconce.

Bien sûr, rien n’est aussi simple, surtout pour l’écrivain torontois Andre Alexis, dont le nouveau roman, « Ring », est le cinquième roman de sa séquence Quincunx. Ou est-ce le troisième ?

Comme il l’écrit sur le site Web de Coach House Press, en commençant par le premier livre de la série, “Pastoral” (Quincunx #1), Alexis s’est inspiré du “pouvoir mystique et de la signification de cet arrangement” tel qu’exploré par l’essayiste Thomas Browne ” dans son essai difficile mais fascinant « Le jardin de Cyrus », publié pour la première fois en 1658. En plus des utilisations et des connotations classiques et chrétiennes, le quinconce est également un élément de l’architecture, de l’astrologie, de l’héraldique et de l’informatique.

Alexis a utilisé le formulaire pour explorer, au cours de cinq courts romans, des thèmes tels que la foi, l’amour, la haine, la raison, le pouvoir et le lieu (entre autres), chaque livre utilisant également «un genre de roman distinct», y compris le apologue (« Fifteen Dogs », Quincunx #2, lauréat du prix Giller, et le roman-casse-tête (« The Hidden Keys », Quincunx #4).

Alors que chaque roman est autonome et peut être lu de manière isolée, les romans ont commencé à se fondre les uns dans les autres au fur et à mesure que la séquence progressait. Les personnages d’un livre, par exemple, apparaissent dans un autre, passant de l’arrière-plan au premier plan (ou vice versa). Les événements des livres précédents sont remis en question dans les livres suivants, mais jamais assez directement pour forger une connexion narrative dynamique entre les livres. Comme l’écrit Alexis : « Les romans de cette séquence de cinq ne racontent pas une seule histoire. Chacun raconte sa propre histoire. Si vous les lisez « dans l’ordre » – c’est-à-dire a, b, c, d, e – vous ne trouverez pas de début, de milieu et de fin à un récit unique et global. Au lieu de cela, vous trouverez des personnages récurrents, des situations récurrentes, des lieux récurrents, des modèles récurrents et, bien sûr, des thèmes et des idées récurrents.

Ce qui nous amène à « Ring », une romance, le cinquième roman de la séquence (à la fois chronologiquement et dans l’ordre de publication), qui occupe la position centrale dans le motif (et est donc le troisième roman de la séquence). C’est, à première vue, une histoire d’amour, entre Gwen et Tancred, qui se rencontrent lors d’une collecte de fonds symphonique au Gardiner Museum (les lecteurs avisés reconnaîtront déjà Tancred de “The Hidden Keys”). Après un début chaotique de leur relation, la mère de Gwen – reconnaissant leur amour avant eux – donne à Gwen un héritage familial : une bague, transmise de mère en fille, qui permet au porteur de changer trois choses à propos de sa bien-aimée. Il y a, bien sûr, des coûts à cela (c’est magique – bien sûr qu’il y en a), dont certains sont documentés dans les trois livres qui accompagnent la bague.

Le roman est, à première vue, un charmant conte de fées urbain contemporain, sur fond de Toronto haut de gamme, du bord du lac aux restaurants privés, avec des camées allant de personnages apparus dans des romans précédents à des personnages réels, y compris des poètes. Lisa Robertson et Roo Borson, et la propre éditrice d’Alexis, Alana Wilcox (qui est présentée en évitant habilement un écrivain avec un manuscrit lors d’une fête). Si l’histoire de Tancrède et Gwen est au cœur du roman, Alexis ne s’en tient pas à une définition commerciale de la romance, s’attardant également sur un amour plus courtois, fidèle aux origines du genre. Le roman est une enquête merveilleuse et stimulante sur la nature et les coûts de l’amour, ce que nous sommes prêts à payer et pour quoi.

Mais il y a la petite affaire du poème.

Au milieu du livre, le lecteur rencontre « Ring », un poème, l’un des livres qui accompagne le cadeau de Gwen. Dans son premier vers, il nous présente Margos, compagne de la déesse Aphrodite, « un chien fidèle et de bon conseil ». Un chien, donc, avec une conscience humaine… Les lecteurs sont immédiatement attirés par « Quinze chiens » (qui a cette notion comme prémisse centrale). Il y a des éléments des cinq romans dans le poème.

Ce qui nous ramène à la géométrie sacrée du quinconce : le milieu du troisième livre est le centre même du motif, et le poème centre la séquence dans son ensemble. Il ne s’agit pas d’introduire les éléments thématiques, ni de les résumer. Au lieu de cela, il relie les cinq romans ensemble sous une forme : c’est le poème qui finalise le quinconce.

Le succès d’une œuvre telle que la série Quincunx d’Alexis dépend de deux facteurs : si les romans réussissent chacun selon leurs propres mérites (ce que font clairement les romans ici), et si les éléments disparates sont réunis de manière convaincante et enrichissante (ce qui la séquence le fait clairement).

Ce qui fait de la séquence Quincunx d’Alexis l’une des réalisations les plus audacieuses, les plus audacieuses et les plus satisfaisantes de la mémoire littéraire récente.

Robert J. Wiersema est l’auteur, plus récemment, de Seven Crow Stories

Le mannequin Linda Evangelista dit que l’effet secondaire de la sculpture corporelle l’a laissée «déformée»

La mannequin canadienne Linda Evangelista, qui commandait des podiums et des couvertures de magazines dans les années 1990, parle de ses luttes privées avec ce qu’elle qualifie de traitement cosmétique qui a mal tourné.

La native de St. Catharines, en Ontario, a écrit dans une publication sur Instagram qu’elle a souffert financièrement et psychologiquement pendant cinq ans après avoir subi une procédure de réduction de la graisse qui, selon elle, a eu l’effet inverse de l’effet souhaité.

« À mes abonnés qui se sont demandé pourquoi je ne travaillais pas alors que la carrière de mes pairs était florissante, la raison en est que j’ai été brutalement défigurée par la procédure CoolSculpting de Zeltiq », a-t-elle déclaré à plus de 900 000 abonnés.

“Cela a augmenté, pas diminué, mes cellules graisseuses et m’a laissé déformé de façon permanente.”

CoolSculpting est une technique de modelage du corps non chirurgicale développée par Zeltiq Aesthetics, une filiale d’Allergan, qui utilise des températures froides pour décomposer les cellules graisseuses dans certaines parties du corps. La méthode est approuvée par Santé Canada et la Food and Drug Administration des États-Unis.

Evangelista a déclaré qu’elle souffrait d’un effet secondaire connu sous le nom d’hyperplasie adipeuse paradoxale, ou HAP, dans laquelle le tissu adipeux se développe plutôt qu’il ne se rétrécit. La condition, qui se présente généralement quelques mois après la procédure, peut amener la zone traitée à devenir visiblement agrandie et ferme.

Sur le site CoolSculpting, le fabricant a déclaré que cet effet secondaire est «rare» et peut être corrigé par une intervention chirurgicale, telle que la liposuccion.

Evangelista a déclaré qu’elle avait subi deux interventions chirurgicales correctives, mais qu’elles étaient “infructueuses”.

Les représentants d’Evangelista et d’Allergan n’ont pas immédiatement renvoyé les demandes de commentaires jeudi.

Evangelista a déclaré que le changement d’apparence avait nui à ses moyens de subsistance et à sa santé mentale.

“Cela m’a envoyé dans un cycle de dépression profonde, de tristesse profonde et de dégoût de soi le plus bas”, a-t-elle déclaré. « Dans le processus, je suis devenu un reclus. »

Evangelista a déclaré qu’elle espère que le fait de rendre publique son histoire l’aidera à se libérer de la honte et à aller de l’avant.

“Je voudrais sortir de ma porte la tête haute, même si je ne me ressemble plus.”

Ce rapport de La Presse Canadienne a été publié pour la première fois le 23 septembre 2021.

Une année cinématographique floue se concentre au New York Film Fest

NEW YORK (AP) – Une année cinématographique de à-coups, de retards et de renversements a parfois été difficile à suivre. Savoir exactement où et comment un nouveau film sort en avant-première est devenu un sport à part entière. Même pour ceux qui suivent de près les nouveaux films, cela a été une année de cinéma parfois exaltante, parfois déroutante, à moitié virtuelle et à moitié en personne.

Mais à le 59e festival du film de New York, qui commence vendredi, une année cinématographique anormale est mise en évidence. Le Festival du film de New York, organisé par Film at Lincoln Center, n’est pas la somme totale de tout ce qui vaut la peine d’être vu en 2021, mais il est à peu près aussi proche que la plupart des festivals. Au cours des deux prochaines semaines, 32 longs métrages se dérouleront dans la liste principale de New York, ainsi que des sections complémentaires, des reprises et des hommages.

« Le mandat du festival a toujours été de faire le bilan de l’année en cinéma, explique Dennis Lim, directeur de la programmation du festival. « En plus d’être une année étrange, je pense que c’était aussi une année très forte. »

La première de l’adaptation de Shakespeare de Joel Coen “La tragédie de Macbeth”, mettant en vedette Denzel Washington et Frances McDormand, donne le coup d’envoi du festival vendredi à l’Alice Tully Hall. Le film, qui sortira en salles par a24 le 25 décembre et sur Apple TV+ le 14 janvier, est le plus grand événement du festival, qui s’ajoute au renouveau croissant des arts à New York. Ces dernières semaines, sur le campus du Lincoln Center, le Philharmonic, l’Opéra Métropolitain et le New York City Ballet sont tous revenus sur leurs scènes intérieures. En bas de la rue, Les meilleurs spectacles de Broadway sont de retour.

Après la pandémie forcée l’année dernière au New York Film Festival pour héberger des projections virtuelles et des drive-in autour de la ville, le défilé annuel des meilleurs cinéastes internationaux et certains des films les plus acclamés de l’année reviendront au Lincoln Center.

« Il y a eu cette perturbation qui s’est produite. Nous en revenons tous », déclare Eugène Hernandez, directeur du festival. “Pour nous, en tant que festival, nous avons décidé de donner la priorité à l’expérience en personne.”

Alors que certains films, comme “The Tragedy of Macbeth”, feront leurs débuts pour la première fois, le New York Film Festival est une collection hautement organisée de films qui se sont démarqués dans d’autres festivals cette année. Cela inclut le western gothique de Jane Campion « The Power of the Dog » ; le tendre conte de maternité de Pedro Almodóvar « Mères parallèles » ; l’exquise pièce de mémoire de Joanna Hogg « The Souvenir Part II » ; « Titane », l’explosive lauréate de la Palme d’Or à Cannes, de la réalisatrice française Julia Ducournau ; l’étude perçante sur les personnages du réalisateur norvégien Joachim Trier « La pire personne du monde » ; le méditative « Memoria » du réalisateur thaïlandais Apichatpong Weerasethakul avec Tilda Swinton ; « Bad Luck Banging or Loony Porn », lauréat de l’Ours d’or à Berlin, du réalisateur roumain Radu Jude ; et l’adaptation de Haruki Murakami de Ryusuke Hamaguchi “Drive My Car”.

Une partie de ce qui distingue le New York Film Festival est que, bien qu’il y ait des tapis rouges et des standing ovations, le rassemblement de l’Upper West Side a toujours placé la réflexion sobre au-dessus du spectacle. Pour les organisateurs du festival, le débat et les conversations qui se déroulent autour des écrans de cinéma sont, en fin de compte, le but du festival.

« Nous sommes d’accord pour dire que les festivals sont axés sur l’expérience sur grand écran. Ils visent à rassembler les gens », explique Lim. « L’année dernière, je pensais que devenir virtuel était nécessaire et une chose importante à faire. Mais c’est une autre époque et un autre climat, et nous devons réagir en conséquence.

Certaines projections sont devenues inopinément opportunes. Quelques jours seulement après la mort du cinéaste pionnier Melvin Van Peebles, une nouvelle restauration de son film phare de 1971 “Sweet Sweetback’s Baadasssss Song” sera présentée en première dimanche à l’occasion de son 50e anniversaire. Van Peebles’ mort mardi à l’âge de 89 ans a suscité une vague d’hommages pour le cinéaste indépendant révolutionnaire.

Une preuve de vaccination sera exigée pour tous les festivaliers, et il n’y aura aucune concession. Le plus grand obstacle lié au COVID-19, a déclaré Hernandez, consiste à régler les restrictions de voyage pour les cinéastes et les acteurs. Qui peut et ne peut pas y assister change encore quotidiennement.

La projection ne se fera pas seulement au Lincoln Center. Pour aider à favoriser une résurgence plus large du cinéma new-yorkais, des projections auront également lieu dans des cinémas d’art et d’essai à Brooklyn, Harlem et l’East Village.

Mais au Lincoln Center, a déclaré Hernandez, “Cela ressemble à un endroit différent de celui qu’il a depuis longtemps.”

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Shawn Mendes réserve trois escales canadiennes lors de sa tournée mondiale 2022

TORONTO – Shawn Mendes prépare son retour sur les scènes de concerts canadiennes dans le cadre d’une vaste tournée mondiale en 2022.

La chanteuse pop originaire de Pickering, en Ontario, a levé le rideau jeudi sur les plans d’une tournée d’aréna de 64 dates en Amérique du Nord, au Royaume-Uni et en Europe qui comprend des arrêts à Vancouver, Edmonton et Montréal.

Wonder: The World Tour fait suite à l’album 2020 de Mendes “Wonder”.

Le chanteur de 23 ans ouvrira l’étape européenne de sa tournée à Copenhague le 14 mars 2022 avant de se diriger vers l’Amérique du Nord au début de l’été.

Des spectacles sont prévus à Vancouver le 2 juillet, à Edmonton le 5 juillet et à Montréal le 15 août.

Aucune date pour Toronto ou d’autres villes canadiennes n’a été annoncée, bien que le promoteur de la tournée indique que des arrêts supplémentaires seront bientôt révélés.

Les billets nord-américains seront mis en vente au public le 7 octobre.

Ce rapport de La Presse Canadienne a été publié pour la première fois le 23 septembre 2021.

Critique: Jake Gyllenhaal porte ‘The Guilty’ claustrophobe

Un centre de répartition d’urgence ne ressemble pas exactement à l’endroit le plus excitant visuellement pour tourner un film entier. Mais la limitation technique d’être emprisonné dans un bureau sans âme alors que l’action à enjeux élevés se déroule hors écran peut être un gadget de narration inspiré entre de bonnes mains, comme c’est le cas dans “The Guilty”, réalisé par Antoine Fuqua, écrit par Nic Pizzolatto et mettant en vedette Jake Gyllenhaal.

Un remake d’un film danois de 2018 du même nom, “The Guilty” de Fuqua place le public dans un centre d’appels 911 de Los Angeles au milieu de la nuit alors que le policier en disgrâce de Gyllenhaal, Joe Baylor, répond aux appels d’urgence de toute la ville. Joe n’est probablement pas l’homme le plus calme du monde dans des circonstances normales, mais tenez compte du fait qu’il fait l’un des travaux les plus stressants au monde tout en attendant un procès majeur le lendemain et vous pouvez commencer à comprendre pourquoi il est si extrêmement tendu.

Il est aussi un peu distrait quand nous le rencontrons. C’est un gars de terrain relégué au travail de bureau, par exemple, et il reçoit des appels qui ne sont probablement pas des urgences : un gars volé par la travailleuse du sexe qu’il a embauchée ; Un autre ayant un mauvais épisode de drogue. Cela vaut la peine de traîner pour que les crédits jettent un coup d’œil à tous les noms célèbres fournissant les voix à l’autre bout de la ligne (Riley Keough, Paul Dano, Ethan Hawke, Bill Burr et Da’Vine Joy Randolph ne sont que quelques-unes des personnes qu’il parle au cours de la nuit).

Mais il se concentre quand il flaire une vraie crise sous la forme d’une voix de femme qui pleure. Il reconstitue qu’elle a été enlevée et qu’elle fait semblant d’appeler sa jeune fille à la maison. La situation deviendra son obsession pour le reste du film alors qu’il essaie de donner à la police suffisamment d’informations pour suivre un véhicule dont il ne connaît pas la marque, le modèle ou la plaque d’immatriculation, roulant sur une autoroute de Los Angeles au milieu d’un incendie de forêt d’urgence. situation dans la ville.

Fuqua ajoute des écrans géants à la salle de contrôle du 911 montrant Los Angeles en train de brûler en temps réel, ce qui ajoute une tension visuelle et rappelle au public pourquoi tous les services d’urgence de la ville sont incapables d’aider cette femme enlevée autant que Joe le voudrait. C’est une expérience angoissante en tant que spectateur de voir de près les façons dont nos systèmes peuvent faire échouer ceux qui se trouvent dans une véritable urgence. Les pauvres répartiteurs doivent jouer le rôle de messager, de thérapeute et de représentant du service client à travers tout cela.

On peut difficilement imaginer un meilleur trio moderne de chroniqueurs sérieux de Los Angeles que Fuqua, Pizzolatto et Gyllenhaal travaillant tous ensemble.

Et Gyllenhaal domine absolument tout au long de la durée d’exécution maigre de 91 minutes, une boule de stress, d’anxiété et de frustration irrésistible fonctionnant uniquement avec des écrans d’ordinateur, des téléphones et des voix désincarnées. Ce n’est pas un euphémisme que le succès de “The Guilty” repose entièrement sur ses épaules.

L’intrigue comporte de nombreux rebondissements et révélations bouleversantes qui maintiennent le spectateur dans un état de stress similaire. Vous devez vous rappeler de temps en temps de ne pas laisser aller votre imagination trop loin en imaginant le cauchemar qui se passe à l’extérieur.

Sous le tic tac de la crise actuelle se cache le soupçon rongeant que notre protagoniste n’est peut-être pas lui-même un homme bon. Oui, il n’a probablement pas de disposition pour un travail dans un centre d’appels et s’en prend régulièrement à ses collègues, mais quelque chose s’est passé qui l’a éloigné de sa femme et de sa jeune fille. Son procès dans la matinée concerne un incident sur le terrain au cours duquel un journaliste du Los Angeles Times le harcèle pour des commentaires à toute heure de la nuit. Cela ne fournit peut-être pas le point culminant poétique que le film souhaite, mais c’est toujours un exercice intéressant de traverser cette épreuve avec un homme qui a peut-être fait quelque chose d’impardonnable.

Le meilleur de tous? Fuqua sait qu’il est contre la montre avec cette expérience et sort juste à temps.

“The Guilty”, une sortie de Netflix dans les salles le 24 septembre et sur Netflix le 1er octobre, est classé R par la Motion Picture Association of America pour “langue d’un bout à l’autre”. Durée : 91 minutes. Trois étoiles sur quatre.

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Définition MPAA de R : Restreint. Les moins de 17 ans doivent être accompagnés d’un parent ou d’un tuteur adulte.

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Suivez la scénariste d’AP, Lindsey Bahr sur Twitter : www.twitter.com/ldbahr

Critique : Dans ‘Dear Evan Hansen’, un tube de Broadway vieillit mal

Le voyage de la scène à l’écran, si souvent périlleux, a été particulièrement cahoteux pour “Dear Evan Hansen”.

Le spectacle de Broadway, mettant en vedette Ben Platt dans le rôle d’un adolescent solitaire et anxieux qui se transforme en une sensation sur les réseaux sociaux après avoir exagéré son amitié avec un autre solitaire plus hostile qui se suicide, a été un succès retentissant. Il a remporté six Tony Awards en 2017, dont les meilleurs nouveaux honneurs musicaux et d’acteur pour la performance de star de Platt. Ici, de l’écrivain Steven Levenson et des auteurs-compositeurs Benj Pasek et Justin Paul (“La La Land”), était une comédie musicale de Broadway qui n’édulcorait pas la douleur, le chagrin ou le désir d’acceptation des adolescents.

Mais lorsque l’adaptation cinématographique de Stephen Chbosky a fait ses débuts plus tôt ce mois-ci au Festival international du film de Toronto, une grande partie de l’amour pour “Dear Evan Hansen” s’était apparemment évaporée. Le film peaufine la comédie musicale de plusieurs manières, mais il est en grande partie assez fidèle au spectacle sur scène. Le script et les chansons viennent à nouveau de Levenson, Pasek et Paul. Platt reprend le rôle d’Evan.

Alors, qu’est-ce-qu’il s’est passé? Est-ce que deux groupes de critiques ont vu à peu près la même chose et ont tiré des conclusions très différentes ? « Cher Evan Hansen », comme son personnage central, était-il un phénomène viral sous de fausses prémisses, pour finalement voir ses défauts révélés ?

La réponse, je pense, est un peu des deux. “Dear Evan Hansen”, comme un spécial après l’école étoilé, est louable pour ses bonnes intentions – pour la façon dont il essaie d’apporter de l’empathie à tous les personnages qu’il touche dans un monde du lycée rendu encore plus perfide par le social médias. Cela, à lui seul, devrait rendre « Dear Evan Hansen » recommandable à un large éventail de jeunes qui trouveront encouragement et soutien dans son message « ça va mieux ». C’est aussi, comme on peut s’y attendre dans toute histoire qui utilise le suicide d’un personnage mineur comme tremplin pour l’arc de rédemption du protagoniste, un conte de moralité de passage à l’âge adulte qui n’a pas toujours une bonne compréhension de ses propres manipulations mélodramatiques.

Mais ce qui trouble le plus “Dear Evan Hansen”, je pense, c’est ce qui a tourmenté tant d’adaptations musicales avant lui : le lourd passage d’un décor isolé à une réalité physique. Les pressions de ne sont que plus fortes sur “Dear Evan Hansen” parce qu’il essaie sincèrement de capturer un réalisme émotionnel. Mais dans un “monde réel” plus reconnaissable, les fausses notes de “Dear Evan Hansen” sonnent plus fort.

Et rien n’est plus faux que la performance de Platt. Platt, 27 ans, doué comme acteur, a dix ans de trop pour le personnage. Bien que de telles divergences puissent parfois être masquées ou négligées, elles sont fatales dans le cas de « Dear Evan Hansen ». Il n’est pas difficile de voir pourquoi les cinéastes seraient attirés par le casting de Platt dans le rôle qu’il a défini; en particulier dans la chanson, il monte en flèche. Mais la façon dont il a vieilli – les cheveux bouclés, les épaules voûtées, le polo à rayures – ne fait qu’accentuer le décalage. Pour une grande partie du film, il est difficile de ne pas imaginer le sketch “Saturday Night Live” qui est probablement déjà en cours d’écriture. Plus que la différence d’âge, cependant, la performance de Platt est un rappel constant de l’artificialité de Broadway dans un film luttant pour quelque chose de réel.

Chbosky («Les avantages d’être une giroflée», «Merveille») semble parfaitement adapté au matériel en tant que cinéaste spécialisé à la fois dans la jeunesse et les récits d’empathie multigénérationnels. Et il a peuplé le film avec un certain nombre d’acteurs formidables, dont Kaitlyn Dever, Julianne Moore, Amandla Stenberg et Amy Adams.

Le film commence avec Evan s’écrivant une lettre sous la direction de son thérapeute. « Cher Evan Hansen », écrit-il. « Aujourd’hui va être une journée incroyable et voici pourquoi. » À l’école, le seul ami d’Evan (Nik Dodani) insiste sur le fait qu’il n’est qu’un « ami de la famille ». Tant sa solitude que sa maladresse sont totales. Un jour à la bibliothèque, il a un échange avec son camarade de classe Connor Murphy (Colton Ryan) qui vole la lettre d’Evan à l’imprimeur et, avec une menace ironique, écrit son nom sur le casting d’Evan. Lorsque Connor se suicide, ses parents (Adams, Danny Pino) ​​trouvent la lettre d’Evan dans sa poche et supposent qu’elle a été écrite par Connor. La mère veut désespérément s’accrocher à quelque chose d’heureux dans la vie de son fils, et Evan ne peut pas se résoudre à lui dire la vérité.

Un mensonge bien intentionné en mène à bien d’autres, et Evan se retrouve bientôt presque dans la famille de Connor, qui comprend sa sœur (Dever, particulièrement bien). Evan devient un porte-parole de plus en plus célèbre de Connor dans la mort. Tout cela n’est qu’un mensonge, qui finira par s’effondrer, mais il y a du vrai là-dedans pour Evan. Quand il parle de la solitude de Connor, il parle de lui-même. Tout à fait au crédit du film, cela ne suggère finalement pas que la renommée des médias sociaux apporte un salut, et dessine plutôt une expiation au troisième acte pour Evan. Le film, qui coupe quatre chansons du spectacle sur scène, semble clairement attentif à l’amélioration de certains des problèmes inhérents à la comédie musicale.

Au moment où Broadway s’ouvre, des dizaines de comédies musicales ont atterri sur les écrans. Dernièrement, il y a eu “In the Heights”, un enregistrement en direct de “Come From Away” et “Everybody’s Talking About Jamie”. Bientôt, il y aura “Tick, Tick … Boom!” “Cyrano” et “West Side Story”. Entre les deux, “Dear Evan Hansen” sera probablement considéré comme un récit édifiant. Tous les succès de scène ne sont pas aussi bons en gros plan.

“Dear Evan Hansen”, une sortie d’Universal Pictures, est classé PG-13 par la Motion Picture Association of America pour le matériel thématique impliquant le suicide, un bref langage fort et quelques références suggestives. Durée : 137 minutes. Deux étoiles sur quatre.

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Tom Delonge de Blink 182 en quittant le groupe pour prouver que les ovnis sont réels

Mettons cela de côté : il y a beaucoup de gens qui doivent des excuses à Tom Delonge. Bien sûr, il n’est pas surprenant que lorsqu’une figure de la culture pop quitte son poste empirique pour poursuivre une cause improbable, il y aura des détracteurs. Mais peut-être qu’aucune affaire n’a été aussi publique – et plus important encore, publiquement tort – que ceux qui ont douté de Delonge lorsqu’il a quitté Blink 182, l’un des groupes les plus populaires de la fin des années 1990 et du début des années 2000, pour prouver ostensiblement que les ovnis sont réels. Pourtant, nous voici six ans plus tard, et l’homme qui a autrefois chanté avec ironie son désir de copuler avec un chien est crédité d’avoir confirmé l’existence de phénomènes aériens non identifiés (c’est le langage des ovnis).

C’est pourquoi il serait compréhensible que Delonge consacre sa tournée promotionnelle actuelle à “Lifeforms”, le sixième album à venir de son groupe Angels & Airwaves, fustigeant ses critiques. Mais au lieu de cela, alors qu’il est assis dans sa voiture face à l’océan Pacifique non loin de chez lui à San Diego, l’homme de 45 ans offre de la grâce à ses détracteurs.

“Je savais que ce serait comme ça pendant une minute”, a-t-il déclaré. «Quand j’ai commencé à dire ce genre de choses, les gens pensaient évidemment que j’étais fou, que j’avais perdu l’intrigue et que je portais un chapeau en papier d’aluminium. Mais cela n’avait pas d’importance pour moi parce que j’étais dans des briefings importants – j’avais été amené à des discussions qu’aucun autre civil n’avait eues, franchement. Et maintenant vous voyez (les résultats) : je veux dire, littéralement, l’annonce que les ovnis sont réels de la marine et du ministère de la Défense mon nom y était attaché et maintenant le Congrès réclame une agence (dans le style de) Homeland Security. C’est un gros problème !

Le chemin de Delonge pour devenir le visage de la recherche viable sur les ovnis est antérieur à son passage dans Blink 182. Lorsqu’il était au collège, il est tombé sur un livre sur le paranormal. Suscitant son intérêt, il « y a mis une épingle » jusqu’à ce qu’il commence à tourner avec le groupe au début des années 90. Alors qu’il s’apprêtait à traverser les États-Unis dans une camionnette sans rien faire (« c’était avant les smartphones »), il a attrapé le livre paranormal et est descendu dans le terrier du lapin. Avec chaque tournée successivement plus grande, la bibliothèque de Delonge s’est agrandie pour inclure plus de titres documentant les rencontres d’OVNI avec l’armée.

« J’ai réalisé qu’il s’agissait d’une mine de connaissances extrêmement riche », a-t-il déclaré. “Vous lisez sur la physique, la mécanique quantique et la sécurité nationale, et vous lisez sur des choses plus ésotériques comme la conscience et ainsi de suite.”

Malgré le succès grandissant de Blink, alors que son intérêt pour le monde des enquêtes montait en flèche, Delonge a déclaré qu’il s’était de plus en plus éloigné de la perspective juvénile du groupe. « Quand nous sommes entrés dans Blink, il s’agissait d’être aussi drôle, aussi rapide et énergique que possible pour nous rebeller contre nos familles brisées ; c’était une façon très spécifique de toujours rire, de s’amuser et de se sentir libre », explique-t-il. “Mais en vieillissant et en devenant plus conscient de moi-même, j’ai eu l’impression qu’il était temps d’aller un peu plus vers l’intérieur.”

Il a rapidement quitté le groupe pour la première fois et a formé les « ultra sérieux » Angels and Airwaves pour explorer artistiquement ce côté existentiel de lui-même, un mouvement qu’il admet maintenant provenir de l’insécurité née.

En 2014, Delonge avait retrouvé à contrecœur Blink, mais s’était dit prêt mentalement à arrêter de publier de la musique de « jeunesse éternelle » en faveur d’explorer « un projet artistique qui communiquait des thèmes plus vastes sur plusieurs plateformes, comme le cinéma, la musique et les livres ». Pour faciliter cela, il a lancé la société de production To The Stars.

Comme il se souvient, c’est en pourchassant l’une de ces histoires qu’il “est tombé sur une image plus claire de ce qui se passait”.

“En 20 ans, j’ai en quelque sorte rassemblé beaucoup de morceaux et j’ai eu l’impression d’avoir trouvé la colle manquante pour expliquer comment l’humanité en est arrivée à ce point”, se souvient-il.

Craignant d’être accusé d’avoir divulgué des secrets d’État « comme Ed Snowden », il a décidé qu’il devait « socialiser » ses idées avec les personnes au pouvoir. Il a commencé à rechercher des responsables associés au programme avancé d’identification des menaces aérospatiales du département américain de la Défense, une division cachée à la vue de tous du Pentagone qui enquête sur les rapports d’objets volants non identifiés. Et, en 2017, a lancé To the Stars… Academy of Arts & Sciences, qui comprenait l’ancien directeur de l’AATIP, Luis Elizondo, aux côtés d’autres anciens responsables du renseignement et du gouvernement.

Lorsque le New York Times a publié son exposer la première page sur l’agence UFO du gouvernement, To The Stars a été crédité pour son travail en faisant connaître le programme au public. L’histoire a déclenché une série d’événements qui, en juin dernier, ont abouti à un rapport non classifié du secrétaire à la défense et directeur du renseignement national sur tout ce que le gouvernement sait sur les ovnis.

“C’était la première étape”, a déclaré Delonge. Maintenant, avec le gouvernement « entre dans le groupe de travail sur la responsabilité, la surveillance, les exigences budgétaires et la législation sur la sécurité nationale », il est enfin en mesure de se concentrer sur « ce sur quoi je devrais me concentrer, comme communiquer les choses à travers la télévision cinématographique, les séries, les non-fiction. , documentaires.” Et, naturellement, son travail dans Angels and Airwaves. « Mon objectif est que, si le groupe exige un jour ce genre de public ou d’expérience, toutes ces choses prennent vie dans le spectacle et autour de la salle pour que les gens puissent interagir avec eux. Comme une sorte de ComicCon itinérant qui est plus réel que la science-fiction.

Ce qui amène une note intéressante sur les révélations apportées par la recherche To The Stars. Alors qu’ils ont prouvé que le gouvernement avait suivi les ovnis, ils n’ont pas exactement fait valoir qu’ils étaient extraterrestres. Une réalisation qui n’a pas échappé à l’auteur de l’hymne de Blink 182 en 1999, « Aliens Exist ».

« Les preuves ne semblent pas suggérer qu’elles viennent de planètes », concède-t-il. Au contraire, « cela semble suggérer qu’ils se matérialisent et se déplacent plutôt que de voyager de manière linéaire – que la réalité physique, telle que nous la voyons, se déroule dans le passé, le présent et le futur en même temps. Ce temps n’est pas linéaire, il est parallèle. Donc, si c’est le cas, alors vous avez des sociétés suffisamment avancées qui peuvent traverser le temps par la fréquence et le déplacement de l’espace-temps.

« Ça devient un peu compliqué, ajoute-t-il.

Si ce concept vous fait lever les yeux au ciel, considérez les antécédents de l’homme qui le dit. Lorsqu’on lui demande pourquoi il pense avoir réussi là où tant de chercheurs de vérité ont échoué, Delonge fait une pause.

« Le fait que Blink soit devenu vraiment grand m’a appris que tout était possible », explique-t-il. “Une fois que vous sentez le succès et que vous réalisez que vous en êtes capable, cela vous donne simplement le courage d’aller faire tout ce que vous voulez.”

Ancienne tablette d’argile du roi assyrien remontant en Irak

WASHINGTON (AP) – Une tablette d’argile vieille de 3 500 ans découverte dans les ruines de la bibliothèque d’un ancien roi du Moyen-Orient, puis pillée dans un musée irakien il y a 30 ans, est enfin de retour en Irak.

La tablette d’argile cunéiforme de 1,7 million de dollars a été trouvée en 1853 dans le cadre d’une collection de 12 tablettes dans les décombres de la bibliothèque du roi assyrien Assur Banipal. Les autorités pensent qu’il a été importé illégalement aux États-Unis en 2003, puis vendu à Hobby Lobby et finalement exposé dans son musée de la Bible dans la capitale nationale.

Des agents fédéraux de Homeland Security Investigations ont saisi la tablette — connue sous le nom de tablette Gilgamesh Dream – du musée en septembre 2019. Des mois plus tard, les procureurs fédéraux de Brooklyn, New York, ont entamé une procédure civile de confiscation qui a abouti au rapatriement, qui est prévu jeudi après-midi lors d’une cérémonie au Smithsonian’s National Museum of the American Indian qui comprendra des responsables irakiens.

Cela fait partie d’un effort croissant des autorités aux États-Unis et dans le monde pour restituer les antiquités volées à leur pays d’origine. Au cours des années passées, de tels articles ne seraient probablement jamais revenus. Le marché noir de ces reliques est vaste, tout comme les réseaux criminels et les contrebandiers qui vendent des objets volés et falsifient les données de propriété.

« En restituant ces objets acquis illégalement, les autorités ici aux États-Unis et en Irak permettent au peuple irakien de renouer avec une page de son histoire », a déclaré Audrey Azoulay, directrice générale de l’Organisation des Nations Unies pour l’éducation, la science et la culture. « Cette restitution exceptionnelle est une victoire majeure sur ceux qui mutilent le patrimoine puis le trafiquent pour financer la violence et le terrorisme.

Pour le chef par intérim de Homeland Security Investigations qui a trouvé et enquêté sur les origines de la tablette, le rapatriement est personnel. Les parents de Steve Francis sont nés en Irak et il a été affecté à une unité des douanes américaines en 2003 qui a été envoyée en Irak pour aider à protéger les objets pillés.

« C’est vraiment spécial pour moi. Je suis irakien et je dirige l’agence qui a fait ce travail », a déclaré Francis. “C’est vraiment quelque chose.”

Les autorités rapatrient également une sculpture de bélier sumérien qui a été saisie lors d’une autre affaire.

La sculpture, de 3000 avant JC, a été utilisée pour les vœux religieux dans les temples sumériens. Les enquêteurs pensent qu’il a été volé sur un site archéologique dans le sud de l’Irak, puis fait partie d’une collection découverte des années plus tôt. Les équipes de Homeland Security Investigations, curieuses de la taille de la collection, l’ont recherchée et ont découvert que le bélier ne faisait pas partie des éléments répertoriés. Le croupier a fini par avouer.

Homeland Security Investigations a renvoyé plus de 15 000 articles dans 40 pays, dont au moins 5 000 artefacts à l’Iraq depuis 2008. La plupart des cas sont venus du bureau de l’agence à New York, où une équipe d’agents enquête sur le trafic de biens culturels et objets volés, qui ont inclus d’autres tablettes et sceaux d’argile.

Les propriétaires de Hobby Lobby basé à Oklahoma City, de fervents chrétiens, a collecté des artefacts pour le musée de la Bible à grande échelle. Les procureurs ont déclaré que Steve Green, président de la société de 4 milliards de dollars, avait accepté d’acheter plus de 5 500 artefacts en 2010 pour 1,6 million de dollars dans le cadre d’un programme impliquant un certain nombre d’intermédiaires et l’utilisation de factures fausses ou trompeuses, d’étiquettes d’expédition et d’autres documents à glisser. les artefacts devant les agents des douanes américains.

Les procureurs affirment que Hobby Lobby a été averti par son propre expert que l’acquisition d’antiquités en Irak comportait un « risque considérable » parce que de nombreux objets en circulation sont volés. Mais Green, qui collectionnait des objets anciens depuis 2009, a plaidé la naïveté en faisant affaire avec des marchands au Moyen-Orient.

En 2018, les dirigeants ont accepté de régler l’affaire pour 3 millions de dollars et de restituer des milliers d’objets. L’agent principal chargé de l’affaire, John Labbatt, basé à New York, a déclaré que la sécurité intérieure rapatriait des articles de cette affaire en 2018 lorsqu’elle a également été informée de la tablette de contrebande.

Mais le récupérer n’a pas été simple. Les agents devaient prouver qu’il avait été acquis à tort.

Labbatt s’est penché sur les dossiers et a suivi la tablette de Londres aux États-Unis en 2003. Elle avait été achetée par un couple qui a admis qu’ils étaient au courant au moment où ils l’achetaient à quelqu’un qui n’était peut-être pas au-dessus de la barre, a-t-il déclaré. Ils l’ont envoyé à eux-mêmes aux États-Unis, donc il n’est pas passé par la douane.

Une fausse lettre de provenance a été utilisée pour vendre la tablette à plusieurs reprises avant que Hobby Lobby ne l’achète à une maison de vente aux enchères basée à Londres en 2014.

À ce moment-là, le délai de prescription était passé pour inculper le couple de tous les crimes.

“Mais en fin de compte, la partie la plus importante est de le remettre à sa place”, a déclaré Labbatt. “Et c’est ce que nous faisons.”

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L’écrivain d’Associated Press Michael Balsamo a contribué à ce rapport.